Il cinema di Quentin, è noto, è sempre stato colmo di citazioni, e questo non è propiamente un difetto, bensì, lo è stato, un'arma per far godere il vero cinefilo. Tuttavia, negli anni 90 il citazionismo era un humus su cui far sviluppare solide idee innovative, mentre adesso potremmo parlare di citazionismo didascalico. Quasi fine a se stesso. Un conto è reinventare il cinema pulp, con Pulp Fiction, mettendo su situazioni e rimandi a film di genere, su cui creare qualcosa di veramente creativo e nuovo; un altro è inserire delle didascalie, delle citazioni su cui poggia un film dal respiro corto. Seppur rimanga curioso e frizzante, il citazionismo tarantiniano perde di mordente quando, tra l'altro, realizza scene che non funzionano come il film preso in esame: strage cinema vs strage di Carrie lo sguardo di Satana, del buon DePalma, ad esempio. La scena iniziale, quella più debitrice del film di Castellani - Quel Maledetto Treno Blindato è, invero, l'unica che regge su una tensione drammatica e linguistica eccezionale, anche grazie a Waltz: davvero mostruoso! Un genio della pantomima!

Da questa parentesi annoto, poi, l'ennesimo punto di debolezza del cinema dello statunitense negli anni duemila: l'ironia linguistica, quei dialoghi favolosi e serrati che, eccezzion fatta per Waltz, latitano ancora in questo film. Quindi, una delle caratteristiche principe del genio di Quentin, in Bastardi Senza Gloria, perviene solo a sprazzi (consoliamoci: era sparita in Kill Bill!), rendendo il seguito del film poco interessante e sconquassato solo dallo spirito sadico e dall'incombenza storica chiamata di mezzo. Senza Waltz il voto si sarebbe abbassato si qualche punto! il grosso problema di Quentin anni 2000 è proprio questo.
Parto dalla base critica che, abbastanza evidentemente, il cinema di Tarantino aveva trasformato in immagini fauves le pagine della sceneggiatura. Con una forza, ironica - violenta - comica - drammatica, il cinema di Quentin ci forniva di un protagonista assoluto, il dialogo e la sceneggiatura, fusi in un crogiolo dove anche la situazione non-sense diveniva estremamente espressiva. Ecco, Tarantino ha perso questo: già evidentemente in Kill Bill, dove il citazioniscmo didascalico è soffocante e i dialoghi quantomeno ridicoli e privi di verve, ma, purtroppo, anche in grande parte di questo Inglorious, salvato solo dall'estro di Waltz. Smarrendo questa forza propulsiva, il cinema di Quentin non è più quello del genio ma retrocede ai film di serie B, con un packaging nettamente migliore da un punto di vista tecnico, ma di Serie B. Al contrario, gli esordi avevano portato la B in massima serie, ed a pieno diritto!

Personaggi come Von Trier, Tsukamoto o Takashi Miike se la ridono dall'alto, sbattendo la vera ipercreatività in faccia a un bravo alunno ormai perdutosi.

Voto 55/100

Una madre sospetta che la persona, restituitale dopo un rapimento, non sia veramente suo figlio. Quando la donna esprime alla polizia i suoi sospetti viene spedita in un centro di recupero. Inizia l'odissea di una reclusa e l'impossibile ricerca di una speranza sicura.

Eastwood in pratica toppa clamorosamente!
Eh si, quella catarsi che Clint ci aveva donato nello stupendo Million Dollar Baby non si ripete neanche per un minuto in questa sua nuova fatica. Colpa anche della Jolie che quando piange, ride è rabbiosa o disperata ha la stessa diafana faccia, scolpita dai labbroni alla nonna papera, culmine dell'immobilismo facciale in cui sta scivolando. E non bastano le lacrime per smuovere quel pezzo da museo: ci vuole passione, tensione e la capacità che ebbe la Swank di catturare il cuore e il sangue dello spettatore per far fremere una persona davanti ad una storia drammatica. Stavolta, al contrario, l'unico momento in cui Clint riesce a coinvolgerci è nella scena dell'esecuzione del Serial Killer (lui sì personaggio su cui fare un film!), dimostrandoci, in quella regressione alla paura fanciullesca, come la pena di morte non sia, anche in casi estremi, giusta per nessuno. In quella scena, il nostro cuore palpita, il nostro giudizio, ovviamente inamovibile su quel mostro, si scontra contro una sensazione di conservazione e di morale più ampia, non nelle traversie della donna, rinchiusa nel solito manicomio in cui è costretta ad angherie deja vù.

Tutto troppo patinato, troppo paradossalmente perfetto e pacato, da risultare noioso e solo un bambino sfortunato (il ragazzo che riesce a liberarsi dal killer, non l'antipaticissimo figlioletto della Jolie) e uno psicopatico, rimediano al clima da Bonomelli serale che non ha altre accelerazioni di ritmo.
Possibile far passare come ridondante e non appetibile una storia del genere?
Ahimé, grande Clint, Sì...

Voto 55/100

Terrificante. Questo il banale aggettivo che balza alla mente se si pensa al gioiello targato da un Balaguerò, spalleggiato dal giovane P.Plaza, in forma strepitosa. Dopo le visioni conturbanti di Nameless e la perfezione teorica del plot di Darkness, il regista spagnolo porta avanti i suoi temi classici (visioni sparate a mille all'ora come frammenti di un puzzle alternativo al film e funzionale allo stato d'inquietudine, tema del male assoluto e relativo, oscurità) raggiungendo pressoché la perfezione. Lo scopo era quello di creare un ambiente di terrore estremo tramite la scelta del digitale e della presa diretta e, dopo la visione, possiamo dire che non solo l'obiettivo è stato centrato, ma anche che il cinema di Balaguerò acquista qualità formale esaustiva e importanza rilevante nell'ambito horror mondiale di tutti i tempi.

A questo punto, è necessario sgombrare il campo da una critica poco profonda e poco conoscitrice del cinema di genere (vedi articoli a dir poco insufficenti apparsi su Repubblica o Liberazione). Il film non deve niente a Blair Witch Project, ma al capolavoro di Deodato, da cui la strega di Blair ha copiato interamente la sceneggiatura e le riprese, Cannibal Holocaust. A differenza del Project americano, il film di Balaguerò, pur cogliendo gli spunti della presa in diretta, del giornalismo a tutti i costi, dei primi piano disperati, segue una trama e uno sviluppo del tutto proprio, senza cadere nei plagi di Witch Project. A questo, Balaguerò aggiunge un ritmo da film d'azione assolutamente spietato, incollandoci, ferocemente alla poltrona della sala oscura.

Nel raccontare la storia di una troupe tv che segue le gesta dei pompieri impegnati nella quotidiane chiamate di routine, i protagonisti, richiusi in quarantena all'interno di un palazzo da incubo, vengono, dopo le schermaglie iniziali, letteralmente ricoperti di orrore, senso di debolezza e inferiorità, disperazione, azione sconvolgente e violenza soprannaturale. E così lo spettatore che, nell'ultima ora del film, non avrà il tempo di respirare, di prendere pausa, di smaltire lo spavento a causa di una unica scena di paura totale che si protrae quasi all'infinito.

Uscendo dal cinema, dopo la visione di REC, si respira un senso di delirio, si scorge l'ovatta delle giornate comuni, si assapora il gusto della paura in forma di adrenalina galoppante.
Un capolavoro di regia, di sceneggiatura, di tensione praticamente impareggiabile che non solo cancella il passo falso di Fragile, ma impone questo film tra i più spaventosi e meglio realizzati di sempre.

Voto: 110/100.

Guarda il trailer italiano:

4° Thriller intimista di Allen.

Personalmente nutro la più schietta avversione per il musical.
Personalmente nutro la più grande ammirazione per il cinema di Lars Von Trier.

Detto dei due poli da cui parte il mio punto di vista, Dancer in the Dark emoziona come tutto il cinema di Lars, con qualche pausa dovuta ai sogni musicali della sfortunata (manco a dirlo!) protagonista. Bkiork è perfetta nella parte, così come la Bella di Giorno francese nel ruolo di comprimaria. Tutto si muove ad orologeria, e seppur le coreografie stemperino i climax tipici del cinema di Von Trier, quest'ultimo non insiste per la via del musical nel finale, lasciando al canto disperato di Bjork un ruolo letterario, di pura sceneggiatura del dolore.
Vicende e temi sono noti, deve rimaner noto anche il fatto che si tratta, forse, del film più lucido e convincente sulla querelle contro la pena di morte. Nessuno può più aver dubbi sulla sua inopportunità.

                                                   Il buio nell'Anima                                                                                                                                  

Voto: 60/100

Film allungato dopo il flop americano, Grindhouse vede subito il ritorno alla grande di un mostro sacro del cinema duro e bullo come Kurt Russel, personaggio principe e mattatore della storia.
Parlare di trama temo sia abbastanza stupido: uno psicopatico stuntman ammazza pulzelle che se la tirano con una macchina a prova di morte, super blindatissima e più tagliente di un'accetta argentiana (non nomino Argento a caso perché la citazione più bella e filmicamente divina è proprio di un film di Dario...a voi cinefili postare in commenti quale...su dimostratemi che ci sapete fare...è facile cmq!). Alla fine incontra donne stuntman...

Ancora Miike: ancora estremità, scoperte morbose, eccentricità e poesia.
Il budget risicato di questo gioiello ne fa una perla di creatività, con la macchina da presa che
simula l'occhio dello spettatore ( in un simulazione di reality game più riuscito di quelli propinati dalla tv), alla ricerca di punti di vista che riescono a proiettarci dentro la
disgraziata famiglia di questo capolavoro. Una madre, un padre e un figlio (e una figlia prostituta sfuggita
al manage ma protagonista di incesto e frustrazioni) chiusi in una scatola dell'autodistruzione. Traditi e traditori, insoddisfatti e eroinomani, violenti gli uni sugli altri. In questa disgregazione, all'improvviso, entra in casa uno sconosciuto, Visitor Q appunto, che non fa altro che alloggiare, mangiare e, silenzioso, assecondare quello che accade, senza stupirsi, senza opporsi. Eppure la presenza di un elemento a sorpresa cambia le carte in tavola..
Visivamente estremo, tanto che se ne consiglia non solo la visione ad un pubblico adulto, ma anche ai poco impressionabili, Miike dimostra ancora una volta che dietro la violenza, l'umorismo nero (come la necrofilia possa diventare spazio di risate e scoperte poetiche solo lui ce lo poteva suggerire brillantemente), la morbosità di anime perdute, c'è, in quello stesso Giappone malato e vizioso, la voglia di riunire un nucleo familiare disgregato, la voglia di poesia che salva la vita.

Sì, è proprio così...dopo tutto quello che succede in questo film, dopo che tramite la liberazioni di pulsioni bestiali (violenza carnale, omicidio, necrofilia, incesto, botte da orbi, droga, allattamento ad un seno che, per magia e grazia divina, sprizza latte all'infinito) i componenenti trovano una loro dimensione espressivo-affettiva e la poesia immensa, sorprendente, dolcissima, ci travolge impotenti.
E' incredibile il senso di sollievo e pace che può assalirti dopo un film del genere. Solo un genio (malatissimo) come Miike Takashi poteva riuscirci...


Durata: 84'
Data di uscita: 2001

La locandina originale di presentazione troneggia nella mia stanza, ma il 110 e lode è comuqnue obbligato e frutto di una visione oggettiva. Una menzione d'onore alla Kidman: la vera unica Dea di bellezza-bravura del cinema contemporaneo. Tra i migliori film della storia!

Sito Ufficiale: http://www.medusa.it/dogville/